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【Concept】
Yudai Nakatani’s art is a philosophical endeavor that traverses materials with a sense of Japanese aesthetics, reconstructing the contradictions of the contemporary world.
【Explanation of the Concept】
The “Wa” sensibility refers to Japanese aesthetic values—such as spatial emptiness, silence, respect for materials, and ephemerality. Rather than formal representations of “Japanese culture,” Nakatani emphasizes the quality of perception and expression associated with Wa.
“Traversing materials” means expressing without being confined to a specific genre or medium—using video, physical objects, air, sound, and more. This interdisciplinary approach reflects a media-transcending attitude.
The “contradictions of the present” refers to a critical lens on the imbalances and discomforts of modern society—such as consumption, life, freedom, information, and ethics. These issues form the backdrop of his creations.
“Reconstruction” implies not merely depicting contradictions, but reinterpreting them from a new perspective through the lens of Wa. His works are visually and sensorially re-edited to evoke new meaning.
【Activities】
Yudai Nakatani is an artist who reconstructs and visualizes modern contradictions through Wa sensibility—integrating landscapes, organic materials, and technology.
He develops works across a range of media—including sculpture, photography, video, digital, and installation—adapting each form to suit the expression. His practice pursues a free mode of expression unbound by the limitations of material or genre. Rooted in a consistent exploration of the inner self, his unique style possesses a profound sense of integration rarely seen elsewhere, subtly shifting the viewer’s perspective in unseen ways.
He suspended his activities in 2009 following the commercialization of his work. After resuming his career in 2024, he received two Grand Prix awards in Japan in the same year. The following year, he won an international award, building a record of accolades across painting, photography, sculpture, and media art. While participating in numerous exhibitions, he also explores and practices diverse approaches to the interface between society and the individual through collaborations with educational institutions and by contributing his works to NPOs.
【Creative Background】
1. Multimedia Expression
He creates across genre boundaries through diverse media such as three-dimensional works, photography, video, digital art, and installations.
In 《Butterflies Dream of Human》, video and three-dimensional compositions that virtualize the perspective of a butterfly challenge our perception of humans and others. In 《Being in Constant Motion》, structurally designed visuals within digital space question the relationship between movement and existence. Through these multifaceted expressions, the works create experiences that appeal not only to vision but also to perception and emotion.
2. Exploration of Philosophical Themes
Themes such as “existence,” “memory,” “freedom,” “life,” and “systems” form the core of his works.
In 《21grams》, he visualizes the weight of the soul to question the value of life, while 《Memory》 poetically expresses the uncertainty of time and remembrance. These works embed profound questions within visual stillness, offering space for introspection.
3. Fusion of Humor and Irony
He expresses perspectives on social contradictions and institutional absurdities with humor and irony.
In 《Tax or Love》, the contrast between taxation and affection is presented with wit. In 《Last Milk》, themes such as loss and growth are treated with a gentle touch. These works evoke insight through subtle dislocations and intentional discomfort.
4. Respect for Viewer Interpretation
He consistently refrains from dictating meaning, instead leaving interpretation up to the viewer’s sensibility.
In 《Hgarden》, materials from home improvement stores are imbued with personal memories and family time, subtly embedded within the composition. In 《The Beautiful》, abstract structures and delicate colors appear to question the very notion of beauty itself. These works allow their meanings to shift according to the viewer’s experiences and interpretations, fostering an open relationship between art and the individual.
5. Engagement with Social Themes
His ongoing interest in societal systems, ethics, and the environment is reflected in his works.
In 《Free Air》, the shared resource of air is used to visualize the tension between freedom and control, making visible the invisible constraints around us. 《The Choice》 poetically explores the relationship between individual decisions and social structures. Through contributions to NPOs and exhibitions in public spaces, the works consciously create points of contact with society beyond the confines of the museum. Here, art functions as a means of engaging with reality while creating space for reflection and thought.
ABOUT
【コンセプト】
中谷優大の芸術とは、和の感性で素材を横断し、現代の矛盾を再構成する哲学的試みです。
【コンセプトの説明】
和の感性とは、日本的な美意識（余白・静けさ・素材への敬意・儚さなど）を通して。形式的な「日本文化」ではなく、感じ方・見せ方の質としての「和」を捉えているのが特徴です。
素材を横断とは、特定のジャンルや形式にとらわれず、映像・物質・空気・音など、様々な素材や媒体を使って表現している。メディア横断的な姿勢といえるでしょう。
現状の矛盾とは、現代社会にある不均衡や違和感（消費、命、自由、情報、倫理など）に対する批評的視点。そうした問題意識を残しつつ、作品を構築しています。
再構成とは、その矛盾をそのまま描くのではなく、別の視点から物事を捉え、“和の感性”で見せていく。視覚的・感覚的に再編集しながら、新たな意味を立ち上げようとするものです。
【活動内容】
中谷優大は、ライフスケープや有機的マテリアル、テクノロジー要素を横断し、和の感性（余白・間・儚さなど）を通して現代の矛盾を再構築・可視化するアーティストです。
立体、写真、映像、デジタル、インスタレーションなど多様な形式を使い分けた作品を展開し、素材やジャンルの枠にとらわれない自由な表現を追求しています。一貫した内面の探求に基づく独自のスタイルは、他にない深い統合性を持ち、観る者に目に見えない視点の変化をもたらします。
2009年、作品のサービス化を機に活動を休止。2024年に活動を再開し、同年に国内で2つのグランプリを受賞。翌年には海外アワードも受賞し、絵画、写真、立体、メディアアート各部門での受賞歴を築きました。多数の展覧会に参加する一方で、教育機関との協働やNPOへの作品提供を通じて、社会と個人の接点を多角的に模索・実践しています。
【制作の背景】
1. 多様なメディアを駆使した表現
立体、写真、映像、デジタル、インスタレーションなど、ジャンルの境界を越えた多様なメディアによる制作が展開されています。
《Butterflies Dream of Human（蝶の夢）》では、蝶の視点を仮想化する映像と立体構成により、人間と他者の認識を揺さぶり、《Being in Constant Motion（動き続ける存在）》では、デジタル空間上で設計された構造的なビジュアルが、動きと存在の関係性に問いかけます。こうした多角的な表現を通じて、視覚にとどまらず、知覚や感情に訴えかける体験が創出されています。
2. 哲学的なテーマの探求
「存在」「記憶」「自由」「生命」「制度」といった根源的なテーマが、作品の核として据えられています。
《21grams》では魂の重さを可視化することで生命の価値を問い、《Memory（メモリー）》では時間と記憶の不確かさが詩的に表現されています。これらの作品は、視覚的な静けさの中に深い問いを内包し、鑑賞者に思索の余白を与えています。
3. ユーモアとアイロニーの融合
社会の矛盾や制度の不条理に対する視点が、ユーモアやアイロニーを交えて表現されています。
《Tax or Love》では税と愛の対比が軽妙に示され、《Last Milk》では喪失や成長といったテーマが柔らかく扱われています。違和感や”ずらし”によって、鑑賞者の気づきを促す構成が印象的です。
4. 観る者の自由な解釈を尊重
作品には明確な解釈を提示せず、鑑賞者の感性に委ねる姿勢が一貫して見られます。
《天園（てんえん）》では、ホームセンターの素材による構成に、個人の記憶や家族の時間が含みをもって内在しており、《The Beautiful（美しきこと）》では、美の概念そのものを問うかのように、抽象的な構成と色彩が繊細に描いています。これらの作品は、観る者の体験や解釈によって意味が変化し、アートと個人との関係を開かれたものとしています。
5. 社会的なテーマへの関心
現代社会の制度、倫理、環境といったテーマへの関心が、作品に継続的に反映されています。
《Free Air（フリーエア）》では、空気という共有資源を通じて、自由と管理、見えない制約を可視化し、《The Choice》では、個人の選択と社会構造との関係性が詩的に問いかけられています。また、NPO団体への作品提供や公共空間での展示を通して、美術館の枠を越えた社会との接点が意識されています。芸術が現実社会に触れながら、思考の余白を生む手段として機能しています。